Bill Viola, Rinascimento Elettronico

Rinascimento elettronico: arriva la nuova mostra di Palazzo Strozzi e questa volta è dedicata a Bill Viola. Artista americano, newyorkese classe 1951, ha avuto la fortuna di studiare e lavorare un paio d’anni a Firenze negli anni Settanta. Da allora la sua arte si è a volte ispirata a quella del Rinascimento, e adesso su questo elemento si gioca molto per farne un esempio del dialogo possibile tra arte antica e contemporanea. A volte funziona. Altre volte, insomma.

La mostra invade il palazzo e ne occupa sia il piano nobile che la Strozzina. Gli spazi sono stati oscurati, resi quasi irriconoscibili, il percorso tradizionale ripensato, creando un bel senso di spaesamento che permette di focalizzare l’attenzione sugli schermi che troneggiano nelle sale.

Si tratta per lo più di schermi al plasma giganteschi che dovrebbero dialogare con opere di arte antica. E che arte! Ci sono pezzi incredibili. La Visitazione del Pontormo in primis. Il Diluvio Universale di Paolo Uccello, Adamo ed Eva di Lukas Cranach, il Cristo in Pietà di Masolino.

Ma non sono per niente sicura che il confronto così serrato con opere eccelse serva bene Viola. Forse era meglio solo evocarle.

Viola incontrò queste opere somme quando fu a Firenze per lavorare ad art/tapes/22, il pioneristicissimo centro per la video arte della visionaria Maria Grazia Bicocchi.

Video arte agli albori, e Masaccio, Pontormo, Paolo Uccello. Un mix interessante. Shaken, not stirred…. 

I lavori di Bill Viola cercano una dimensione mistica e aspirano a profondità oggi pertinenti più spesso alle religioni che all’arte contemporanea. Le sue opere migliori esplorano la soglia tra la vita e la morte, il senso del nostro passaggio su questa terra, il granello di divinità contenuto in ogni essere umano. E ipnotizzano gli spettatori tenendoli  con gli occhi inchiodati su schermi dove sembra succedere molto poco. E invece…

A chi ha amato il lavoro di Bill Viola nei decenni passati questa mostra non offre molto di nuovo. La selezione delle opere, anzi, lascia alquanto perplessi. Si è scelto di calcare la mano sul link con la cultura figurativa classica, ma a spese del grande respiro filosofico e mistico che invece il suo lavoro ha avuto. Quindi si esce da Palazzo Strozzi non del tutto soddisfatti, se si è fan dell’artista.

A chi invece non lo conosce ancora, Palazzo Strozzi offre l’occasione di avvicinarsi al suo lavoro, per quanto non felicemente selezionato. E allo stesso tempo offre il modo di rivedere opere di arte antica meravigliose.

Interessante è anche il programma Offsite (orrenda però questa mania di chiamare tutto in inglese! Che bisogno c’era?). Vari musei fiorentini, come il Museo dell’Opera del Duomo, quello di Santa Maria Novella, gli Uffizi, e poi ancora la Collegiata di Empoli partecipano alla festa. Vi si possono vedere dislocati altri lavori di Viola; e naturalmente riscoprire anche le opere dei musei stessi.

Tutte le info pratiche qui 

Margherita Abbozzo. Tutte le foto sono mie, http://www.margheritaabbozzo.com

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Wolfgang Tillmans, 2017

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2017: è il lapidario titolo della mostra di Wolfgang Tillmans appena aperta alla Tate Modern di Londra. Tillmans è tra i fotografi più importanti che lavorano in questi anni e riassume nella sua pratica molti dei punti di interesse della ricerca contemporanea. Che si ritrovano puntualmente in queste belle 14 sale piene zeppe di immagini ed idee.

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Quasi da solo Tillmans ha cambiato il modo di concepire gli allestimenti delle mostre di fotografia, facendo esplodere i concetti di ordine e simmetria  in favore di immagini presentate in istallazioni complesse: stampe enormi si alternano a fotocopie in bianco e nero spiegazzate, a piccole fotografie stampate industrialmente e in maniera dozzinale, a carte fotografiche piegate in modo da assomigliare a sculture, ad altre realizzate senza la macchina fotografica, a stampe inkjet… Alcuni lavori sono incorniciati, molti altri no, molti sono appesi con le puntine o con le clip; non c’è nessuna uniformità di taglia o di soggetto. E’ fotografia, ma a frontiere nuove.

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E in più lo spazio è occupato da questi lavori in maniera eccentrica: una foto può essere appesa da sola vicino al soffitto mentre altre sono disposte a griglia in un angolo e altre ancora sono avvicinate in un gruppone tutte insieme appassionatamente. Senza logica apparente.

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Tillmans, tedesco classe 1968, ha vissuto a Londra per molti anni dall’inizio degli anni Novanta. Lì si è trovato a vivere il passaggio epocale tra fotografia analogica e quella digitale, e utilizzando entrambe ha documentato prima di tanti altri la street culture, la crescita del Gay Pride, la vita notturna della città nei suoi club, mixando lo straordinario con il banale e il comune. E arrivando ad essere il cantore, per così dire, di quei mix complessi e frantumati che sono gli orizzonti culturali del nostro tempo. L’Inghilterra lo ha premiato: nel 2000 a 32 anni ha vinto, primo fotografo al mondo, il Turner Prize; onorificenze accademiche di ogni tipo si sono poi susseguite.

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Tutto questo non ha però abbattuto il suo interesse per temi sociali e politici. Oltre a immagini che hanno a vario titolo a che fare con i concetti di frontiere, in mostra si vede anche l’istallazione Truth Study Center 2005 – ongoing, composta da numerosi tavoli coperti da ritagli di giornali, che esplorano come i media disseminano le notizie nel mondo. Un lavoro perfettamente topico nella nostra epoca di post-verità, storytelling e affini.

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In più la mostra presenta altri suoi interessi: video, pubblicazioni, foto di moda, pezzi scultorei, progetti curatoriali e musicali, e performances.

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Wolfgang Tillmans è fotografo della “realtà” indagata nel dettaglio infinitesimale grazie a macchine ad altissima risoluzione; fotografo astratto nei lavori fatti creare dalle stampanti sporche, o dalla luce tracciata direttamente sulle carte in camera oscura; fotografo di immagini che nascono tra caso e controllo, e che indagano i rapporti tra immagine meccanica, scultura e il corpo, per esplorare la coesistenza nelle nostre vite delle sfere del personale, del politico, del pubblico e del privato. Per il nostro tempo confuso e contraddittorio, un fotografo a tutto tondo.

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2010-116-iguazu_a4Margherita Abbozzo. Tutte le foto sono mie, a parte le ultime quattro, nell’ordine: paper drop Prinzessinenstrasse 2014 @ Wolfang Tillmans; astro crusto, a 2012, @ Wolfgang Tillmans; Collum 2011, @Wolfgang Tillmans; Iguazu 2010, @Wolfgang Tillmans.

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Fashion in Florence e l’Archivio Locchi

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Fashion In Florence through the lens of Archivio Locchi è una bella mostra aperta fino al 5 marzo a Palazzo Pitti, in quelle stanze graziose ed eleganti che sono chiamate Andito degli Angiolini e che si trovano tra il piano nobile e il secondo piano del palazzo.

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Fashion in Florence suona bene con quella allitterazione delle F; per il resto chissà perchè mai è stato scelto di dare un titolo in inglese. Forse perchè la mostra è stata aperta in concomitanza con Pitti Uomo? Comunque, andiamo insieme a vedere di cosa si tratta.

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A Firenze anche le pietre conoscono la bottega Foto Locchi. Fondata nel 1924 da Tullio Locchi e Silvano Corcos, per decenni dalle vetrine della bottega – quando era ancora in piazza della Repubblica – bambini, giovani donzelle, sposi, e personalità del mondo della cultura, dello sport e della politica, hanno sorriso ai passanti da belle fotografie in bianco e nero.

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Non solo foto in studio, però; la Locchi ha anche documentato un’infinità di eventi cittadini. Tanto che il suo archivio comprende oggi più di 5 milioni di immagini (con relativi negativi), un tesoro incredibile che è stato posto sotto la tutela del Ministero per i Beni e le Attività Culturali.  E questo archivio strabiliante è ancora oggi gestito dalla famiglia, nella persona di Erika Ghilardi.

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La mostra, organizzata insieme al ministero dei Beni culturali, alle Gallerie degli Uffizi, al Centro di Firenze per la moda e a Gruppo Editoriale raccoglie 100 immagini in bianco e nero che raccontano di moda, di artigianato e di Firenze dagli anni Trenta agli anni Settanta. Una bella storia che intreccia lavoro, talenti e grandi personaggi, e che va assumendo contorni sempre più mitici.

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Dalle immagini scorre il racconto di un mondo intrecciato di artigiani abilissimi che lavorano paglie, pelli, e merletti; di grandi imprenditori, stilisti e uomini d’affari; delle grandiose sfilate di moda in Sala Bianca che segnano l’inizio del fenomenale successo della moda italiana;

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ancora, dei grandi eventi mondani (fantastici i “ragazzi immagine” in mutande che reggono candelabri tra signore chicchissime a una gran festa nel giardino di Boboli, nel 1953!!); e delle personalità che vengono in città, dalla Callas al Duca di Windsor e signora, alle grandi attrici americane.

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Le fotografie Locchi sono sempre di alta qualità, pulite, professionali, perfettamente composte: i vari operatori che hanno lavorato per la bottega si possono ispirare a Irving Penn e a Avedon, maestri di eleganza formale; o guardare più a William Klein e scattare fotografia di moda per le strade della città, o ancora alla fotografia di moda italiana. In ogni caso, la produzione è sempre di alto livello e questa mostra è una vera chicca per tutti.

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Anche se sembra quasi incredibile questa è la prima mostra di immagini tratte dall’archivio Locchi, e per fortuna in mostra si possono ammirare anche vari provini stampa, dai quali si capisce come i fotografi cercavano l’immagine giusta, e vedere persino le ordinatissime agende con le quali veniva registrato ogni evento documentato dalla bottega.

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L’immenso patrimonio dell’Archivio Locchi comprende anche archivi di ex collaboratori storici della ditta, FotoLevi e Italfoto GF. Il tutto è in via di essere digitalizzato, per essere “archivio non di semplici immagini, ma vera e propria memoria storica di Firenze e della Toscana”. Memoria che la storica bottega apre alla città, chiedendo a chiunque lo voglia di partecipare al racconto collettivo sul blog.

Ricapitolando: davvero una bella mostra, vi consiglio di non perderla. Aperta fino al 5 marzo. Info pratiche qui.

Margherita Abbozzo. Tutte le foto degli allestimenti della mostra sono mie. Le altre naturalmente sono dell’Archivio Locchi:

1, 1936_L836-11: Lo studio d’arte e tecnica fotografica Foto Locchi nella sua storica sede di Piazza della Repubblica nel 1936 © Archivio Foto Locchi;

2, 1952_Levi_1175: Gennaio 1952, Moda al Grand Hotel © Archivio Foto Locchi.

3, 1962_15713: Luglio 1962, Sfilata di cappellini in Sala Bianca, Palazzo Pitti © Archivio Foto Locchi

4, 1953_12725: Luglio 1953, Ballo in Boboli © Archivio Foto Locchi.

5, 1958_A1496: Luglio 1958, Moda a Palazzo Strozzi © Archivio Foto Locchi.

6, 1955_1929: Gennaio 1955, Abiti da cocktail in passerella alla Sala Bianca, Palazzo Pitti © Archivio Foto Locchi.

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ArteFiera 2017, 2!

ArteFiera è contorniata da molti eventi:  mostre, performances, talks spuntano in tutta la città componendo una ghirlanda di attrazioni irresistibili per chi arriva a Bologna.

Vedere tutto è impossibile quindi ecco una selezione di mostre interessanti,  alcune delle quali rimangono aperte anche dopo la fine della Fiera.

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Da vedere subito perchè finisce il 30 gennaio è la mostra Solo Figli, nella bella palazzina disegnata da Le Corbusier che si trova davanti all’ingresso della Fiera, in piazza Costituzione. Curata da Sergia Avveduti e da Irene Guzman è una collettiva di 33 piccoli lavori, squisitamente allestita in spazi veramente interessanti. Un vero antidoto all’effetto straniante da supermarket della Fiera.

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A fior di Pelle è il titolo di tre istallazioni di Chiara Lecca alle Collezioni Comunali d’Arte, in Palazzo Accursio che è proprio in Piazza Maggiore. Le sue fotografie stanno in equilibrio tra lo straordinario e l’orrido e sono fantastiche. Fino al 19 marzo.

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A casa Morandi Grigio Lieve ospita sculture di Ornaghi & Prestinari che si sono ispirati alle ombre nei quadri di Morandi; al museo di Palazzo Poggi, fino al 26 febbraio, due mostre di arte contemporanea “dialogano”, come va tanto di moda dire adesso, con le collezioni del museo: quella di Bertozzi & Casoni, e Per caso e per necessità di Maria Teresa Sartori.

Una divertente caccia al tesoro è trovare la mostra L’instabilità degli oggetti, curata da Pietro Gaglianò in un affascinante ex atelier di abiti da sposa ancora pieno di fruscii di tulle, di morbide speranze e di sogni. Lo spazio, l’ex Atelier Corradi,  fu progettato all’inizio degli anni Cinquanta dall’architetto Enrico De Angeli, ed è tutelato con decreto del Ministero Beni Culturali.

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Una volta lì si tratta poi solo di una breve passeggiata per stradine meravigliose per arrivare all’affascinante mostra del grande fotografo Nino Migliori , Lumen. Ospitata in locali che dire strepitosi è dire poco, in Santa Maria della Vita, la mostra è omaggio al capolavoro rinascimentale  Il Compianto, di Niccolò dell’Arca che si trova nella stessa chiesa. Si tratta di immagini molto belle esposte in luoghi strepitosi ispirati a un lavoro che è in tutti i manuali di storia dell’arte…ricetta perfetta per far godere occhi, cuore e mente. Fino al 23 aprile, ingresso gratuito, cosa volete di più!

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Tutte le info su queste e su tutte le altre mostre sul sito http://www.artcity.bologna.it

Tutte le foto sono mie, www.margheritaabbozzo.com, a parte quella del lavoro di Chiara Lecca, Golden Still Life (dettaglio), 2016. Courtesy Museum Schloss Moyland, Bedburg Hau (D) e Galleria Fumagalli, Milano. Crediti fotografici: Olimpia Lalli.

 

 

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ArteFiera 2017!

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Puntualmente, come tutti gli anni, con la fine di gennaio arriva ArteFiera e parte il pellegrinaggio per Bologna. In treno, in macchina, in pulman, a piedi!, praticamente chiunque lavori a qualsiasi titolo nel sistema dell’arte si ritrova a calare sul quartiere di Bologna Fiere.

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Un quartiere fieristico enorme, una città nella città, tutta padiglioni, torri e parcheggi, che circonda e ingoia chi vi arriva con la voglia, la speranza o il miraggio di aggiornarsi e fare il punto sull’arte contemporanea.

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ArteFiera occupa due padiglioni. Due grandi rettangoloni luminosi e pieni di luce naturale, all’interno dei quali lo spazio è diviso in tanti stand più o meno grandi, occupati da gallerie più o meno importanti.

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Quest’anno l’organizzazione è stata affidata alla critica, docente, scrittrice e giornalista Angela Vettese, che ha voluto rimescolare le carte in tavola. Risultato: fine della separazione tra gallerie che si occupano di arte moderna con opere di artisti storici e riconosciuti dal mercato e quelle di arte contemporanea dedite a scommesse sui giovani. Quindi, tutti insieme allegramente. E funziona.

Così, cosa si vede alla Fiera? Quest’anno tutti parlano del “ritorno della bella pittura”…qualunque cosa questo voglia dire. Ci sono tante opere pittoriche, con Mario Schifano ovunque. Praticamente nessun video. E invece tantissima fotografia, più che negli anni scorsi. E si tratta per lo più di fotografia di qualità: se la visita parte dal padiglione numero 25 per esempio si è accolti da bei lavori di Francesco Jodice (alla galleria Di Marino) e di Raffaella Mariniello (da Trisorio)

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E poi via via si incontrano tanti lavori, per tutti i gusti. Ci sono opere di Giacomo Costa,

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altre del grande Paolo Gioli,

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e poi altre di Paolo Woods, di Michael Kenna

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e di tanti altri fotografi sia storici e celebri ( Mario Giacomelli, Herbet Liszt, Berengo Gardin, Nino Migliori, Todd Hido e tanti altri)

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sia altre di artisti giovani e nuovi, come il performer cubano Carlos Martiel,  classe 1989, presentato dalla galleria Rossmut di Romab

acon immagini che documentano le sue performances ispirate da tematiche politiche molto trendy;  oppure come Eric Guo, raffinatissimo e poetico fotografo cinese che rifotografa fotografie spiegazzate di giovani “messe in croce”, presentato dalla galleria The Public House of Art di Amsterdam.

aaIl lavoro più intenso e interessante? Made in Italy- Handle with Care di Mustafa Sabbagh.

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Italo palestinese nato in Giordania, Mustafa Sabbagh, classe 1961, è presentato in fiera dalla galleria Marcolini, che così introduce questo suo bel Made in Italy- Handle with Care:

“Laddove gli sforzi mediatici pronti a celebrare le eccellenze nostrane pongono l’Italia come leader nel settore delle 3 F – Fashion, Food, Furniture – l’artista espone, come si trattasse di merce da banco, un’altra F – la più eccellente e la più promettente, ma la meno salvaguardata: la F del Futuro, quella del Fanciullo.” 

Si tratta di 27 ritratti di ragazzi tra gli 11 e i 22 anni, fotografati contro lo sfondo del mare à la Joel Meyerowitz e Rineke Dijkstra, ma con una potenza concettuale nuova, perchè la presentazione del lavoro è accompagnata da un comunicato scritto come se i ragazzi fossero meri prodotti.

Un lavoro di grande impatto. Non per nulla Sabbagh è stato definito uno degli “otto artisti più significativi del panorama nazionale contemporaneo” e questo lavoro è nella collezione del Maxxi.

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Altri lavori, belli, di Mustafa Sabbagh sono presentati anche dalla MLB Home Gallery di Ferrara, una piccola ma determinata ed interessantissima maniera di pensare il commercio di arte.

 

1, continua.

Tutte le fotografie sono mie, Margherita Abbozzo http://www.margheritaabbozzo.com. Liberi di usarle, apprezzato il credito.

I lavori fotografati sono, in ordine di apparizione:

Raffaella Mariniello, Eremo,2016; Giacomo Costa, Fluid, 2017; Paolo Gioli, Polaroid Volto in cera, 1993; Michael Kenna, Tree and Twenty Eight Posts, Teshikaga, Hokkaido, Japan, 2013; Nino Migliori, Il Tuffatore, 1951; Carlos Martiel, Trophy, 2016 e Expulsion, 2015; Eric Guo, Facing Each Other, n/d; Mustafa Sabbagh, Made in Italy, 2015.

 

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Prato on fire

Prato è on fire. Per accompagnare la riapertura del Centro Pecci sono esplose mostre in luoghi diversi in città, creando una fibrillazione inusuale e niente male.

Per vedere La Torre di Babele – un titolo che fa da azzeccatissimo pendant a La Fine del Mondo in scena al Pecci – si deve andare alla ex fabbrica Lucchesi, in piazza Macelli. E penetrare nella fabbrica, poi officina,  che adesso ospita 23 lavori di artisti scelti dal curatore Pietro Gaglianò, tra quelli che lavorano con le gallerie toscane della ANGAMC: l’Associazione Nazionale Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea.

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Installare lavori di 23 artisti diversi per tecniche, linguaggi ed età è difficile, e si è sempre a un passo dall'”effetto fiera” di tanta roba accatastata senza un vero perchè. Invece qui l’insieme è vitale, interessante, e soprattutto carico di energia. Merito anche delle istallazioni davvero molto attente e curate. Questa Torre di Babele è stata costruita facendo dialogare i lavori e costruendo richiami e rimandi che intersecano lo spazio. Tutto riverbera e tutto si tiene.

Come al solito, le fotografie non possono rendere che una minima parte dell’ieffetto di una mostra. Bisogna recarsi fisicamente davanti ai lavori. Ma intanto, facciamo un giro insieme:

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Questo è solo un assaggino per invogliarvi a scoprire dal vero la Torre di Babele.

Da lì consiglio poi di fare un salto a Lottozero, un nuovo spazio che in stile molto pratese apre in un vecchio laboratorio, proponendosi come spazio polifunzionale per legare ricerca artistica e design tessile. Inaugura con una collettiva di 13 artisti italiani e internazionali accomunati dalla ricerca intorno a tessuti e affini. Tra questi segnalo i lavori di, in ordine di apparizione: Anna Rose, che lavora con capelli sintetici; il duo Khurtova/Bourlanges che lavora con la porcellana; e l’istallazione infotografabile di Arianna Moroder, che ha cullato nel sonno chi si è voluto fermare a trascorrere la notte nello spazio, accompagnato dalla musica di uno Sleep Concert durato tutta la notte.

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Tutte le fotografie sono mie, http://www.margheritaabbozzo.com

Credits per le opere in La Torre di Babele: Paolo Leonardo, In attesa della rivoluzione, 2016; Aron Demetz, Senza Titolo, 2015; Renata Boero, Cromogramma, 1976; Michele Guido, Greenhouse Project #2, 2011,  Arcangelo Sassolino, Nucleo, 2016, Vittorio Corsini, Eros 10.7, 2012, Giuseppe Chiari, la Musica è bella, anni ’90, Carlo Colli, Skin N125, 2016, Fabrizio Corneli, Ondina, 2016.

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Il nuovo Pecci è La fine del mondo

Eccolo! Il nuovo Centro Pecci è finalmente arrivato.

phonephotossettembreottobre2016casaepecci-039Il grandioso disco volante è atterrato. Il portellone si è aperto e…

phonephotossettembreottobre2016casaepecci-041 ne sono usciti omini verdi? No.

phonephotossettembreottobre2016casaepecci-046Benvenuti alla Fine del mondo.

E’ il titolo della mostra che inaugura lo spazio. Fabio Cavallucci, il direttore,  l’ha costruita sulla convinzione che la fine del mondo sia, come ha avuto modo di dire, “già avvenuta. Non la fine del pianeta, ma la fine del “nostro” mondo, dei processi percettivi e cognitivi che dall’antica Grecia ad oggi hanno costituito le basi del sistema di pensiero occidentale, che poi è oggi quello globale”.

I nuovi spazi del museo sono stati disegnati da Maurice Nio, che ha circondato e integrato l’edificio originariamente progettato da Italo Gamberini. Facciamoci una passeggiata insieme a vedere la mostra.phonephotossettembreottobre2016casaepecci-166

Si comincia da Break-Through di Thomas Hirschorn, opera che è perfettamente allestita accanto alla “Foresta pietrificata” di  Jimmie Durham

phonephotossettembreottobre2016casaepecci-141 E da lì si passa all’istallazione più sensazionale di tutte, Transcorredor di Enrique Oliveira.

Non ve la racconto perchè va provata. Proprio fisicamente, dico.

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Come fisicamente bisogna andare a sperimentare ogni lavoro. Le fotografie non possono rendere l’immersione nel Black Lake di Bjork

phonephotossettembreottobre2016casaepecci-117phonephotossettembreottobre2016casaepecci-122o quello nei quarzi, seleniti e incredibili ametiste della collezione di Adalberto Giazotto

phonephotossettembreottobre2016casaepecci-102O ancora quello nello spazio di Carlos Gairacoa che unisce il cielo e la terra

phonephotossettembreottobre2016casaepecci-083E nel volo dei 99 lupi di Cai Guo Quiangphonephotossettembreottobre2016casaepecci-050phonephotossettembreottobre2016casaepecci-055E nella performance di Pippo Del Bono intorno agli scolari della Classe Morta di Kantor

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Oppure nel fulminante angolino che comprime l’arte occidentale dalla Venere preistorica a Fontana passando per Duchamp e Bocconi…

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Dice Cavallucci: “Ciò che abbiamo conosciuto finora è diventato obsoleto. La mostra non vuol essere la rappesentazione di un futuro catastrofico imminente ma presa di coscienza della incertezza in cui versa il nostro mondo, e riflessione sugli scenari che ci circondano. I mezzi d’interpretazione della realtà che abbiamo conosciuto non sono più in grado di comprendere il tempo presente. Da questo cambiamento strutturale nasce un senso diffuso di fine”.

Si, e per fortuna l’arte vede sempre più lontano di tutti. Come dimostra Kader Attia con il suo Chaos + Repair = Universe

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Ripeto, le fotografie non possono rendere che una pallida idea della mostra. E quindi consiglio vivamente a tutti di andare al nuovo Centro Pecci: è la fine del mondo!

Tutte le fotografie sono mie,  wwww.margheritaabbozzo.com

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